Arte ao Lado: Sidney Chagas

Todas as crianças no mundo desenham e rabiscam desde muito pequenas. Mas pra onde será que vai essa habilidade? O que é feito no meio da criação/educação que as crianças perdem a vontade de se expressar graficamente? Essa é apenas uma das reflexões que passaram pela minha cabeça quando li as respostas do designer Sidney Chagas.

Pra ele, quando crianças, ninguém julga seus próprios desenhos como ruins. As pessoas crescem e começam a se comparar umas às outras, e tudo que não se adequa ao conceito de correto ou bonito é classificado como ruim. Às vezes as próprias pessoas decidem que seus desenhos não são bons o suficiente e desistem de continuar à desenhar.

Quando ingressou na faculdade de design, Sidney aprendeu que o conceito de ilustração sugere que a mesma acompanhe um texto, um conceito ou um produto com o propósito de complementar, o que acontece frequentemente em seu trabalho como designer. A profissão “ilustrador“ lhe pareceu agregar propósito demais ao desenho e isso tirava um pouco da magia que essa atividade representava pra ele:

Tive a impressão de que o desenho desenhado era um pedaço de mim que se mostrava bem pequeno em relação ao mundo de tipos, regras e planejamento que me eram apresentados.

Isso o incomoda muito, ao ponto de ter tido grande dificuldade de responder as perguntas deste projeto (“Foi um parto de mim mesmo!”). Sidney questionou-se sobre como iria escrever sobre algo tão livre como arte se sua criatividade tem ficado cada vez mais condicionada ao trabalho:

Tem aquela criatividade já forjada pro trabalho, sabe? Te pedem uma coisa e você produz. Produto puro, TEM que vender, TEM que ser bom, o cliente TEM que gostar. Isso afeta demais quando se quer simplesmente desenhar. Chego em casa e não tenho mais aquele desejo...

Agora ele busca se sentir criança novamente, retomando o desenho sem expectativas no final, sem razões concretas, sem responsabilidades de parecer correto. Não quer mais desenhar somente para complementar algo ou ter uma explicação necessária. Sabe que tem nas mãos uma ferramenta de moldar o mundo ao seu redor (“Desenho quando não quero estar preso à regras, ou quando quero quebrá-las”) e, seja de forma analógica ou digital, entende que as técnicas se tornam inúteis sem uma inspiração. E ao falar disso, Sidney relembra a magia do desenho:

É comum eu querer criar algo e passar horas com uma folha de papel em branco na minha frente pois nem sempre a criatura obedece ao seu criador. Geralmente extraio inspiração de pessoas peculiares que vejo na rua, de personagens e personalidades que admiro. Se algo que vejo gera uma reação forte o bastante pra que eu fique pensando naquilo por um certo período, isso geralmente me motiva a desenhar e, ao fazê-lo, tento recaptar aquela sensação. O desenho pode vir também pela simples vontade de desenhar, como um chamado, se eu quiser colocar “poeticamente”. Eu desenho porque é uma das poucas coisas em que se tem total liberdade pra se fazer.

Esse chamado poético é o Chamado da Arte. Fez Sidney sofrer ao se dar conta que sua forma de expressão, sua liberdade, está sendo tomada pelo cotidiano voraz capaz de eliminar o ato de desenhar da vida das pessoas. Mas foi essa angústia (que emergiu ao ter se deparado ironicamente com uma folha branca na sua frente) que o motivou a retomar o caminho de sua vocação.

Apesar do sobrenome em comum, não somos da mesma família, mas carinhosamente nos chamamos de “primos”. Ele foi estagiário de design no Museu da República quando eu trabalhava lá. Ambos estudamos na ESDI (em momentos distintos) e me lembro de termos rapidamente conseguido uma conexão profissional (suas ilustrações já me impressionavam e salvaram vários momentos de falta de criatividade!). Aos poucos a ligação se tornou pessoal e vivíamos ouvindo músicas no rádio (odiando a “Hora do Blush”). Mesmo com nossa separação profissional e o intercâmbio para a Alemanha que o fez morar lá, mantivemos contato pelas redes sociais e hoje estabelecemos novos vínculos. Espero que esse projeto reanime sua Arte.

Arte ao Lado: Katia Politzer

Ao longo do projeto, comecei a perceber que as três perguntas feitas para os artistas gerariam reflexões profundas. Seria preciso que eles debruçassem sobre si mesmos e suas produções em busca de significado. Katia Politzer está passando exatamente por esse momento de análise de seus trabalhos para entender as relações deles consigo e com o mundo. Graduada pela Escola de Belas Artes da UFRJ, com cursos, exposições e prêmios nacionais e internacionais no currículo, hoje ela se considera uma artista visual que, depois de experimentar diversos materiais, se apaixonou pelo vidro como componente primário de uma linguagem que relaciona forma e textura e luz através de transparência, brilho e cor.

Tatuagem

Sendo um material inerte e 100% reciclável que é tão longevo quanto frágil, o vidro se torna um desafio técnico. Katia usa a técnica de fusão para a criação de peças tanto figurativas quanto abstratas baseadas nos padrões geométricos do grafismo indígena brasileiro, em elementos típicos de sua cultura, em nossa flora tropical e nas paisagens do Rio de Janeiro. Ela corta, fura, esmalta e até “costura” com fio de aço suas obras em vidro, que utilizam padrões da estética primitiva que são parte intrínseca de objetos e pinturas corporais sem o caráter de arte ocidental. A matéria-prima que não pertence ao repertório indígena deseja desvincular o elemento gráfico e seu significado do objeto de origem, transformando-o em linguagem de arte.

Kayabi

Cocar

Luminária

Cestaria

Durante anos lecionou arte para crianças e adolescentes. Foi onde (felizmente) cruzamos nossos caminhos. Sua delicadeza e generosidade se estendem à sua obra: o material considerado frágil é capaz de demonstrar força, durabilidade, beleza e transparência - características que fazem parte de sua personalidade. É como se ela e o vidro fossem alma gêmeas: o que, aliás, todo o artista deve ser com sua arte.

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Arte ao Lado: Reinaldo Smoleanschi

Reinaldo Smoleanschi trabalha na área comercial, buscando clientes que queiram imagens de seus produtos para comercializá-los. Descrito dessa forma, você pode imaginar uma série de profissões administrativas, mas Reinaldo é fotógrafo, um daqueles que encara seu trabalho como um desafio:

“Fotografar uma peça do Philippe Starck é relativamente fácil. Difícil é tornar um parafuso interessante em uma página de uma revista especializada em parafusos”.

Cliente: Celma Turbinas

O olhar de um fotógrafo costuma ser a linha que separa amadores de profissionais e, no caso de Reinaldo, ele se junta a uma mente ágil que imediatamente enxerga a relação entre objeto e espaço e as possibilidades que a luz oferece em diversos ângulos. Buscando mesclar tecnologia e arte para ressaltar as qualidades de qualquer elemento, não descansa até conseguir transpor o que imaginou para a câmera e, posteriormente, na tela do computador (“a sensação de realização é grande e forte”).

Cliente: Joyá.

Cliente: Livraria Rio Antigo.

Reinaldo se considera oficialmente fotógrafo desde 1988, quando entrou para a Neri Bloomfield School of Design em Haifa, Israel. Seja visitando exposições ou simplesmente analisando o mercado de trabalho, é capaz de ficar um bom tempo conversando sobre fotografia. Hoje se sente um privilegiado por ainda conseguir viver da sua arte:

“Através dela viajei, conheci pessoas interessantes, estive nos bastidores de grandes produções e até nas situações que poderiam ser consideradas as mais chatas, encontrei elementos novos e desconhecidos que tornaram os trabalhos mais excitantes”.

Jogos Panamericanos Rio 2007.

Barra da Tijuca, Rio de Janeiro.

Conheci Reinaldo em 2001 numa pelada: eu, lateral esquerdo; ele, direito. Entre os amigos do futebol de fim de semana, nunca faltaram as piadas sobre seu nariz judeu ou sua semelhança com o ator Robin Williams. Sabia que era fotógrafo, mas nunca tive a oportunidade de ver seu trabalho até a chegada do Facebook. Nem sabia que ele tinha tanto prazer em viver a fotografia.

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Casas cor

Depois de 8 anos consecutivos indo ao Casa Cor (escrevi sobre 2008, 2009, 2010, 2011 e 2012), perdi os dois seguintes por duas razões: ambos foram na Barra da Tijuca (Península e Casa Shopping) e eu estava cansado de poucas novidades e muitos exageros. Mas esse ano foi na Villa Aymoré, na Ladeira da Glória e pude ir.

Como sempre, o local é bem mais interessante do que as criações. Inclusive, tentando antever o movimento na cidade, as casas se tornaram espaços comerciais e, no final, construíram uma área bem legal de coworking que fica pronta até o início de 2016.

Esse ano fica perceptível que a cor azul escura é a queridinha em seus vários tons ou associações com suas companheiras de temperaturas frias, o verde e o roxo. Acho que TODOS os ambientes tem algo de azul. Os papéis de parede que sempre chamara a atenção já não surpreendem... nem mesmo o 3D - que é interessante, mas já foi visto antes e não consigo ver sendo aplicado no cotidiano.

E aí está o problema de sempre: o dia-a-dia. Um série de soluções dadas não comportam a rotina diária, as facilidades de limpeza, os acidentes... alguns aproveitamentos de espaço foram bacanas, mas isso acaba por ressaltar as pouquíssimas coisas realmente interessantes.

Almofadinhas na escada transformando-a em mais um local de convivência,
além das prateleiras ao longo do caracol para aproveitar o espaço.

Esses brilhinhos na parede são difusores de jardim com LEDs pra dar essa
iluminação decorativa que lembra um estofado. Na foto, estão acima da cortina.
(clique para aumentar, mas ignore a cadeira...)

Esses rebatedores de luz feitos de fundo de embalagem de produto de limpeza
não é lá bonito, mas um reuso interessante e estiloso do material.

O belo cactário do Jardim de Frida Kahlo, decorado por Paula Bergamini.

Se é Casa Cor, esse é o Jardim Cor.
Frida é inspiradora e o resultado é talvez o mais bonito de todo o evento.

Estou reclamando muito (e já faz tempo), mas continuarei indo a esse evento porque ainda é interessante como inspiração. É como ir na casa de alguém e ficar olhando os detalhes pra poder julgar (e copiar) depois. :)

Arte ao Lado: Alcemar Maia

Qual a matéria que se esculpe? Barro, mármore, pedra, madeira… e por que não o corpo humano?

A cirurgia plástica é um procedimento médico que muda a forma corporal, seja por razões reparadoras (lesões deformantes, reconstruções por doença ou acidentes, defeitos congênitos etc.) ou estéticas (“orelha de abano”, ginecomastia, mamoplastia, lipoaspiração etc.). É na plasticidade que a cirurgia encontra a arte.

Imagens meramente ilustrativas retiradas do site da
SociedadeBrasileira de Cirurgia Plástica.
Alcemar achou por bem não mostrar fotos de
pacientes, garantindo a privacidade individual.

Alcemar Maia é um cirurgião plástico dedicado, que utiliza todos os conhecimentos técnicos que adquiriu em mais de 25 anos de experiência em sua atividade profissional, buscando, acima de tudo, a segurança de seus pacientes. Assim como artistas mais do que conhecidos, ele trabalha sob demanda, ou seja, a partir do desejo do cliente/paciente. E isso o provoca artisticamente. Conseguir realizar a utopia de uma pessoa é um desafio e tanto: mais do que restabelecer a beleza física, este tipo de intervenção molda um novo ser psicológico. Os padrões estéticos existem e são extremamente rigorosos, mas Alcemar prefere olhar para as possibilidades que existem na sua frente. A harmonia nos contornos corporais de cada indivíduo e suas particularidades dentro da beleza do conjunto são sua inspiração artística.

Parceiro de trabalho e da vida, sei que Alcemar não tem essa visão somente para o corpo humano. Extremamente habilidoso, é também costureiro, designer de móveis, arquiteto, marceneiro, decorador e sei lá mais o quê ele é capaz de fazer. É como se sua expressão artística transbordasse em tudo que toca. (EAV)