Curvas geométricas de Brecheret

Ontem, além da ótima exposição de Amador Perez, terminou a mostra Mulheres de Corpo e Alma: Desenhos e Esculturas de Brecheret, organizada pelo Instituto Victor Brecheret. Mais de 100 desenhos acompanham as 37 esculturas que nos levam a perceber os passos iniciais da criação artística.

O ítalo-brasileiro Victor Brecheret é o mais importante escultor do Modernismo brasileiro. Participou da Semana de Arte Moderna de 1922 e alimentou a discussão sobre identidade nacional. Grande parte de suas esculturas está exposta em locais públicos da cidade de São Paulo, como o famoso Monumento às Bandeiras, no Parque do Ibirapuera.

O interessante é que nem seus desenhos ou o torso feminino de mármore escolhido como identidade visual da exposição servem como real identidade visual do artista. A simplificação geométrica de Brecheret é sua assinatura. Nessa exposição três obras chamam a atenção: As três graças (com destaque para a versão monolítica), O beijo (tanto a geométrica quanto a simplificação máxima) e Sóror Dolorosa, um ângulo de representação da Pietá que eu nunca tinha visto antes.

O beijo

Sóror Dolorosa

Brecheret merece mais reconhecimento hoje. Precisa ser mais estudado como artista e como identidade nacional.

Perito Perez

Memorabilia é a exposição para os 40 anos de carreira de Amador Perez, com mais de 100 obras realizadas desde 1974 até hoje, onde ele reflete sobre a reprodução e imaterialidade da arte. Ela termina amanhã no Centro Cultural dos Correios. Pronto. Isso é o básico que você precisa saber sobre a exposição.

Agora vamos ao gênio.

Amador Perez foi meu professor na ESDI. Talvez ele não saiba disso, mas devo minha formação a ele. No meio do primeiro ano da faculdade, eu havia decidido que aquilo não era pra mim. O nível de exigência era extremamente elevado para projetos sem explicação, critérios ou significado. Professores rasgavam trabalhos de alunos, mandavam os alunos se virarem e falavam um "academicês" desnecessário, desmotivando não só a mim, mas 1/3 da turma. Três desistiram. Porém, decidi chegar até o fim e ver no que ia dar. Sorte a minha.

Numa quinta-feira de 1997, tornei-me seu aluno. Sua fala doce, seu amor pelo ensino, pelo design e pela arte transbordavam para aqueles que tinham dúvidas como eu. Com ele aprendi que os erros tem valor, que se tira proveito de tudo. Aprendi que devemos insistir e persistir em busca de um resultado melhor, pois isso criará um processo significativo, relevante, engrandecedor. E, assim, sou designer e professor.

Fonte: site do artista

Podemos ver seus ensinamentos nas obras expostas, principalmente, no núcleo Gioventú, que tive o prazer de ver em sua inauguração no MNBA e rever agora. Amador mostra uma técnica em grafite que flerta com a perfeição e nos coloca em suspense. A exposição está muito bem montada: parece que a técnica do grafite em Gioventú e as maravilhosas explorações técnico-visuais em Nijinski se unem no centro, no núcleo Memorabilia, onde Amador se permite embaralhar grafite, impressão, Photoshop e objetos pessoais em novas representações artísticas.

Mesmo sendo cliché brincar com seu nome, Amador não tem nada de amador. É perito. Nas artes, no ensino. É Perito Perez.

Obrigado.

Arte urbana

Herbert Baglione

Também no Caixa Cultural rolou a exposição Street Art - Um panorama urbano, que trouxe a arte nascida nas ruas antes marginalizada e agora parte da cultura pop contemporânea. Teve o consagrado Banksy, Herbert Baglione, Jef Aérosol, projeto MaisMenos (Miguel Januário), HowNosm, Pixel Pancho, Rero, Sten Lex, Vhils (Alexandre Farto) e o interessante brasileiro Nunca (Francisco Rodrigues).

É muito legal ver essas manifestações artísticas urbanas que vão além do graffiti e permitem o conhecimento (e o questionamento) do que vem sendo feito hoje. O lado político é fundamental e - em muitas vezes - transcende o visual.

Cartazes (de hoje) para amanhã (e sempre)

"School", Mario Fuentes (Equador)

Poster for Tomorrow é o principal projeto da 4tomorrow, uma ONG parisiense fundada em 2009. Seu objetivo é encorajar as pessoas a criarem cartazes que estimulem o debate sobre questões universais, como liberdade de expressão, direitos das mulheres etc. Para a ONG, o cartaz é melhor plataforma por ser de fácil criação e distribuição, além de atrativos e acessíveis a todo espectro social.

Fica até o próximo fim de semana na Caixa Cultural, a ótima exposição Poster for Tomorrow - Direitos Humanos em Cartaz. A mostra traz uma seleção dos 100 melhores cartazes de seis edições do projeto, separados por temas: Direito à Educação, Igualdade de Gêneros, Um lar para todos, Desenhe a Democracia, Liberdade de Expressão e A Morte não é Justiça.

"Stand up", Elias Riedmann (Áustria)

"Where are you sleeping tonight?", Mathieu Rousseau (Canadá)

Adriana Bermúdez (Colômbia)

"Weapon of mass defence", Ferdinando Dambrosio (Itália)

"The truth revealed by its own cycle", Anadel Velasquez (México)

Tem cada um melhor do que o outro. As soluções gráficas são muito interessantes e abrem as portas da criatividade! Se quiser participar, o concurso é anual e aberto a todos. Inscreva-se no site do projeto.

Coleções inusitadas do século XX

Picasso

Duas exposições que passaram pelo Brasil mostraram um número impressionante de importantes obras do século XX em diferentes movimentos e estilos artísticos.

A exposição Visões na Coleção Ludwig apresentou 70 trabalhos provenientes da coleção do empresário alemão, sediada no Museu Estatal Russo de São Petersburgo. Contou com Pablo Picasso, Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat, Joseph Beuys, Gerhardt Richter, Anselm Kiefer e George Baselitz, entre outras obras da arte pop, do neoexpressionismo alemão, do fotorrealismo e de outros movimentos internacionais de arte, dos anos 1960 aos dias de hoje.

Basquiat e Warhol

Keith Haring

A mostra A Inusitada Coleção de Sylvio Perlstein é a primeira feita no Brasil a partir do acervo do brasileiro de origem belga. Cerca de 150 obras foram selecionadas pelos curadores para a mostra que se resume nas palavras do próprio:

“Eu não sei o que é arte. Eu não sei o que é ‘bom’ ou não. Eu passeio. Eu flano. Eu não quero nada em particular. Eu não sei exatamente o que eu fiz. Eu não sei exatamente como tudo começou. Há coisas que me intrigam e me perturbam. Para que algo se ative, é preciso que seja enigmático. E difícil, também. Senão não é interessante. Não é excitante”

Roy |Lichtenstein

Pensada de forma a oferecer um passeio livre do olhar pela produção do século XX, a exposição é dividida nas seções: Dada / Surrealismo; Fotografia Vintage; Novo Realismo / Pop Art; American Painting; Minimal Art; Arte Conceitual / Land Art / Arte Povera. Sim... tem Dalí, Man Ray, Roy Lichtenstein, Magritte, Tunga, Rauschenberg, Jasper Johns, Kandinsky, Bresson, Vik Muniz e muitos outros.

O interessante em ambas é ver como a arte mudou drasticamente no século passado em busca de novos padrões estéticos que determinaram a arte contemporânea. É o momento onde se fica perguntando "tá... mas isso é arte?" e a resposta se torna complexa e tão inusitada quanto as coleções. A primeira já terminou, mas a segunda ainda fica no MASP até amanhã.

Dalí aqui

O CCBB do Rio está comemorando seus 25 anos com a mais significativa retrospectiva de Salvador Dalí do país, com cerca de 150 obras do artista, entre pinturas, gravuras, documentos, fotografias e ilustrações. A mostra abrange as diversas fases criativas do pintor (temos um autorretrato cubista logo no início, por exemplo), com ênfase no período surrealista, que o consagrou e no qual refletiu seu imaginário singular. No entanto, não são as obras mais conhecidas (como os relógios d'A persistência da memória). São obras menos óbvias que fazem não só a gente ter uma ideia do escopo do trabalho do artista como também da sua importância.

Mesmo com significativos trabalhos envolvendo o mundo ilusório de Dom Quixote, destaco duas séries impressionantes: suas ilustrações para "Alice no País das Maravilhas" e suas impressões botânicas em flores e frutas surreais. Na primeira, Dalí e Alice parecem ter sido feitos um para o outro. Talvez o pintor tenha vindo do País das Maravilhas! São imagens incríveis! Quem viu a animação que Dalí e Disney quase fizeram, vai reconhecer a personagem de Alice nas pinturas abaixo.

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As flores e frutas demonstram a criatividade frenética de Dalí. Talvez algumas delas façam você realmente acreditar que o bigodinho do pintor seria um traço de loucura. Engano: é genialidade.

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Genialidade essa que fica muito clara nas obras, mas não na exposição. Falta bastante informação sobre o pintor e sobre o período vivenciado. Documentos e revistas com grande importância artística são dispostos apenas como ilustrações sem qualquer relevância editorial. Uma sala com capas de revista e até anúncios de TV que Dalí participou, mostram um lado comercial importante do pintor que fica só como um registro que ele era excêntrico. Mas ele era mais do que isso. Sua postura artística tinha um significado até político.

Mesmo assim, ver Dalí é mais do que importante. É ver sonhos, metáforas e novos mundos se realizarem numa tela. Fica até setembro.

Zuzu, anjo e designer

Se você não sabe quem é Zuzu Angel, vá para o Google (caso você não tenha visto o filme). Se você é designer, provavelmente sabe que ela foi uma estilista brasileira que perdeu seu filho para a ditadura e se tornou um símbolo político. Mas o que você não sabe é que Zuzu criou uma marca incrível de roupas, empregando não só um estilo brasileiro como uma identidade visual forte de teor crítico.

O Itaú Cultural de São Paulo fez uma homenagem excelente com a exposição Ocupação Zuzu, que traz 400 itens, dentre vestidos, bordados, acessórios e documentos que apresentam a trajetória da estilista em uma bela ambientação e curadoria da filha, Hildegard.

Lounge / Linha do tempo

Abertura da exposição com Zuzu em neon como era seu ateliê (minha foto não ajudou).

Seus vestidos.

Seus layouts.

Suas estampas.

A sala do luto com documentos da época.

A ótima identidade visual a partir do nome.

O anjo que se tornou seu mascote, sua marca e seu símbolo de protesto (ele é a representação
de Stuart Angel, seu filho que foi preso, torturado e morto durante a ditadura).

Camisas variadas com a estampa do anjo aplicada.

Painel para os visitantes deixarem notinhas em pedaços de tecido.

E eu deixei o meu!

Sabia da parte da moda e da parte política, mas confesso que fiquei bem impressionado com seu lado designer. Não conhecia a bela marca com os Zs angelicais ou aquele anjinho (que em uma primeira olhada é tão mal feitinho...) ganhou uma força política e o meu respeito em construções variadas de estampas e aplicações de acessórios. Que essa exposição seja uma oportunidade para aumentar o escopo sobre essa incrível mulher.

Deutscher Werkbund

Fundado em 1907, o Deutscher Werkbund - uma associação de arquitetos, artistas e empresários - tinha por objetivo melhorar a qualidade dos produtos industriais e teria sido o primeiro a pensar no desenho industrial e em uma identidade corporativa. "Não existia antes a profissão de designer industrial e o Werkbund tinha a preocupação de formar esses profissionais. Além disso, foram inovadores ao propor unidade e harmonia no design corporativo, criando uma identidade, presente da logo aos produtos", explica Martin Gegner, responsável por trazer a exposição 100 anos de Arquitetura e Design na Alemanha ao Brasil, que também é professor visitante da FAU-USP e diretor do escritório do DAAD-SP.

Apesar de muito influente no design e arquitetura internacionais, nem sempre a Deutscher Werkbund é reconhecido por seu trabalho. O objetivo da exposição é tornar toda essa influência mais visível. No Brasil, a associação é famosa apenas em círculos especializados: eu, por exemplo, que estudei na (ainda?) considerada melhor faculdade de design do país, nunca havia ouvido falar. E olha que Peter Behrens, presente na minha dissertação de mestrado na mesma instituição, era fundador! Sabe quem mais fazia parte do seleto grupo? Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe e Max Bill (que ajudou na fundação de tal escola!)! bom... por ser uma associação, o Werkbund estava constantemente discutindo seus direcionamentos formais e políticos, diferente da Bauhaus, cujos conceitos eram bem definidos pelos mestres (hmmm... será que está aí a explicação da doutrina que me ensinaram e continuam ensinando?).

A ótima exposição traz produtos, cartazes, móveis e maquetes... me deixou com um ar de enganado e de ignorante, porém, furiosamente instigado a saber mais e melhor. Ela ainda é gratuita e fica até 18 de maio no excelente Centro Cultural São Paulo.

Cartazes do cinema nacional

Ziraldo

Também no MAM, estava a exposição 4x3: A arte do cartaz de cinema, com alguns exemplares de cartazes do cinema nacional realizados pelos incríveis Ziraldo e Benício. O texto da exposição de Hernani Heffner, conservador da Cinemateca, é tão didático e importante que vou reproduzir aqui:

O cartaz cinematográfico é uma peça publicitária prosaica e efêmera. Tem por função divulgar o filme e atrair o espectador para a bilheteria e para a sala de exibição. Em sua linguagem particular, constituída nas primeiras décadas do século XX em meio à formação da indústria cinematográfica, antecipa o gênero e por vezes o tom da narrativa, associando-os quase sempre à imagem dos protagonistas. O cartaz cinematográfico se insere também no chamado star system, a política de estrelismo que em geral conduz a relação da produção com o público, mas de forma menos direta do que se pensa. Como elemento de apelo volta-se prioritariamente para a indicação do que será oferecido como emoção pelo produto fílmico.

A liberdade formal alcançada pelo cartaz cinematográfico em seus primeiros tempos deriva de um conjunto de restrições. Papel barato, impressão em escala e baixa definição impediam o uso da fotografia como ícone do filme, permitindo o desenho e a rotogravura como técnicas mais adequadas. Somente após a Segunda Guerra Mundial, com o desenvolvimento das tecnologias gráficas e a supremacia consolidada do filme hollywoodiano no mercado mundial, o cartaz assumiu progressivamente a foto de uma cena ou personagem como elemento visual central.

A imposição de um padrão de produção envolvendo todo o processo de realização e comercialização dos filmes encontrou resistências pela afirmação dos cinemas nacionais, entre os quais o brasileiro. Nesse sentido, o cartaz revestiu-se também de valores particulares. Ao mesmo tempo em que ressaltava a promessa de divertimento/reflexão, reenviava para determinadas tradições locais, quer fosse a da ilustração gráfica, a do modernismo pictórico ou a da iconografia pop. Contra a mesmice publicitária do império, desenvolvia o refinamento contido na cultura visual local, transformando-se em peça artística maior. Em resumo, quanto mais criativo ou “experimental” o cartaz, maior a afirmação política de uma cinematografia frente ao ocupante de seu próprio mercado.

O singular na experiência brasileira é sua extensão mesmo à produção eminentemente comercial, caso dos filmes e cartazes escolhidos para esta exposição. Produzidos entre as décadas de 1950 e 1970, os exemplares se destacam por sua consciência de traço, estilo, síntese temática e sobretudo investigação poética dos tipos humanos e seu contexto sócio-cultural. Jayme Cortez, cartazista preferido do ator-produtor–diretor Amácio Mazzaropi, põe em relevo a figura esquecida da era juscelinista. A riqueza de detalhes na composição dos diferentes trabalhadores proletários ou suburbanos, indica a tentativa de sincronia com a nova era urbano-industrial paulistana e com o público presente nas salas, antes da virada crítica proporcionada pela adesão definitiva ao caipira, consagrada na personagem Jeca Tatu. Tensão e movimento permeiam essas imagens, explorando algumas das virtudes dos quadrinhos admirados e praticados por Cortez.

A passagem aos cartazes de Ziraldo e de Benício evidencia algumas rupturas. Em sintonia com sua geração, o primeiro, ao mesmo tempo em que homenageia a tradição de ilustração e de humor que vai de Angelo Agostini a Chico Caruso, vai buscar no modernismo paulistano o traço redefinidor do ingresso em uma nova etapa histórica. O advento de uma classe média brasileira e do hedonismo utópico dos anos 1960 lhe proporcionam o material para investigar sobretudo esse novo homem citadino, que se quer boêmio e mulherengo, mesmo em tempos de ditadura militar. Rebeldes e anárquicos são moldados à imagem e semelhança de uma cultura solar, alegre e libidinosa que emerge na zona sul da cidade do Rio de Janeiro.

Benício

Benício continua e aprofunda essas referências, chegando por seu lado a um modernismo carioca, evidenciado na obra de um J. Carlos, e por outro à atualidade de uma sociedade de consumo em formação. Seus cartazes também exibem a consciência do crescente protagonismo feminino em meio a esse país que se quer fazer grande, moderno e rico. A pornochanchada lhe proporciona a moldura perfeita para o jogo de espelhos com os passantes eventuais e os voyeurs da sala escura. Suas mulheres olham diretamente, encaram, interrogam, sem deixarem a sensualidade acabada de fora, muito pelo contrário. A imagem, a sedução e a cupidez quase sempre andam juntas.

A arte dos 3 cartazistas põe em relevo um momento de transição histórica da sociedade brasileira, deslocando a figura central da era industrial, que a rigor ainda nem se instalara de fato, e fazendo emergir novas personagens, mais características de uma etapa pós-industrial, que se constituiu par e passo ao desenvolvimento econômico emanado do ABC paulista. A seleção das 4 personagens matiza as possibilidades artísticas e culturais em torno do padrão típico de composição da peça. Trabalhadores, boêmios, “gostosas” e imagens auto-referentes (do tipo, do ator/atriz, do ícone cultural), este último em salto metalingüístico, ao mesmo tempo indicador da maturidade do discurso visual do cartaz cinematográfico brasileiro e da complexidade de sentidos negociados perante o público, são uma parte da galeria de uma sociedade que procura se afirmar também pelo intrincado labirinto de construção de uma auto-imagem, onde ser “malandro”, em muitos sentidos, já não é mais um ato ingênuo ou chanchadesco.

O cartaz do Ziraldo para o filme A mulata que queria pecar (1977), pra mim, beira à perfeição. Fiquei com gosto de quero mais, principalmente ao ver livros e dissertações sobre o assunto também expostos e ter, como a última peça da exposição, uma pequena reprodução quase escondida e mal iluminada de uma capa de J. Carlos para a revista Para Todos.

Perfeccionismo monumental

As obras do artista australiano Ron Mueck são impressionantes. Dedos, unhas, barba, cabelos nas pernas, dobras, rugas... a riqueza de detalhes causa muita estranheza, porque achamos que as estátuas vão sair andando! Michelangelo com certeza teria medo de repetir o seu famoso Parla! porque seriam grandes as chances de alguma delas realmente falar! O Facebook, por exemplo, reconhece as estátuas como gente e pergunta se você quer marcá-las!

Couple under an umbrella

Mueck começou a carreira trabalhando com cenários e marionetes de TV e propaganda e agora faz do hiperrealismo sua forma de expressão e de entendimento da vida. Relembra os escultores clássicos que buscavam o perfeccionismo em seus mármores (veja as mãos de Hades na cintura de Perséfone na escultura O rapto de Proserpina, de Bernini) e está causando inveja em muito carnavalesco!

Mask II

Woman with shopping

Young couple

Nesta mostra - que fica até 1º de junho no MAM-Rio - temos nove obras, sendo que três delas são bem recentes e pouco vistas no mundo: o casal de idosos na praia, o casal de adolescentes e a mulher voltando das compras com seu bebê (todos ilustram essa postagem em fotos de Andréa Azpilicueta). Claro que se realmente pensarmos nas obras clássicas iremos diminuir um pouco a arte de Mueck: afinal trabalhar mármore sem erro é bem mais complicado do que trabalhar com resina. Mas é preciso sair do computador cheio de imagens das obras para ver a exposição ao vivo, porque o tamanho - seja enorme ou miniaturizado - interfere na sua percepção e na qualidade do resultado.

Sobre a exposição, fiquei pensando que a iluminação poderia ter sido melhor. Em alguns pontos, o brilho nas obras tira a sensação hiperrealista e nos coloca novamente no plano do objeto.

Fora isso, gostaria de ressaltar a situação paradoxal das filas intermináveis. Paradoxal porque, ao mesmo tempo que acho o máximo e louvo essa busca pela cultura, fico impressionado com a falta de educação e de respeito. Às vezes, me dava a impressão que ninguém estava lá para ver a obra em si e conhecer mais sobre o artista: querem mesmo é fazer selfies! A quantidade de cara feia que recebi porque estava apreciando uma obra e atrapalhando uma foto foi incontável! E dá pra ver pela cara dos monitores que está sendo difícil controlar essa multidão mau educada e egocêntrica.

Arte popular brasileira nem tão perto de você

Acredita-se que o Museu Casa do Pontal seja o mais significativo museu de arte popular do país com uma exposição permanente que apresenta mais de 5 mil obras de 200 artistas oriundos de todos os estados do Brasil. O acervo - tombado desde 1991 - está todo classificado e separado por assuntos num circuito longo porém interessante.

Aproveitei o Carnaval para conhecer o belo espaço e o tal incrível acervo. Destaco as engenhocas de Adalton (não deixe de apertar todos os botões, principalmente o da Sapucaí no fim), a delicadeza de Noemisa, o "Ciclo da vida" de Antônio Oliveira, as famosas garrafinhas de areia colorida e - como não podia deixar de ser - as obras de Mestre Vitalino por sua estética inconfundível que padronizou todos os outros artistas populares.

Mas é uma pena que o museu fique tão escondido nas longínquas estradas do Recreio dos Bandeirantes. Até porque fui muito bem recebido pelos funcionários do lugar e ainda curti demais a exposição temporária Criaturas Imaginárias, promovendo o encontro dos monstros de cerâmica do poeta Manoel Galdino com os artistas contemporâneos Angelo Venosa, Cristina Salgado, Eliane Duarte e Zé Carlos Garcia.

Essa fica até 30 de março, mas o espaço deveria ser mais frequentado / divulgado. Sua distância é realmente um infortúnio.

(Imagens retiradas do site do museu)

Luzes de arte

Para comemorar o aniversário do blog ontem, dei uma passada na Casa Daros para ver as exposições Le Parc Lumière, com obras cinéticas de Julio Le Parc (até 2 de fevereiro), e Artoons, com charges de Pablo Helguera (até 9 de março).

Na primeira, somos imersos num mundo de luz e movimento, criado por mais de 30 objetos simples porém com resultados surpreendentes e belos. Para o artista, “o que importa é o que as pessoas veem, não o que alguém diz”. E vemos isso em cada obra, em cada forma luminosa, cada constelação, cada caleidoscópio.

Na segunda, o humor das mais de 40 charges espalhadas por espaços de circulação da Casa faz uma crítica ácida ao universo contemporâneo da arte. Ao questionar ironicamente, nos leva para o seu lado, concordamos imediatamente com o seu pensamento.

Ótimos! Recomendo muito!

Cruzes!

A Jornada Mundial da Juventude acabou há mais de dois meses, mas o Rio de Janeiro manteve duas interessantes exposições com a temática: Cruz, Crucis, Crucifixus - O universo simbólico da cruz no Centro Cultural Banco do Brasil, e A Herança do Sagrado, no Museu Nacional de Belas Artes.

A mostra do CCBB apresentava cerca de 150 cruzes, santos, relicários e oratórios dos séculos XVIII e XIX, oriundos do acervo do Museu de Arte Sacra de São Paulo, do Museu Afro Brasileiro e de coleções particulares. É possível ver que a imagem da cruz é, na verdade, uma forma elementar que habita o consciente coletivo da humanidade e ultrapassa o universo religioso, seguindo um visão historiográfica.

A exposição do MNBA tem mais de 100 obras (inéditas no Brasil) dos séculos XVII a XVIII vindas do Museu do Vaticano e de outros museus importantes da Itália, com direito a uma cópia da Pietá, de Michelangelo. Está dividida em quatro módulos: Jesus Cristo, Virgem Maria, Os Apóstolos e Os Santos, com telas de Ticiano e e Caravaggio. Vai até o dia 13 de outubro.

A arte é o meio universal mais qualificado para promover o diálogo entre as diferentes culturas – Giovanni Morello, curador da exposição no MNBA

Como exposição em si, ambas foram bem montadas, com legendas em idiomas diferentes, destaques para as obras principais e espaço de visualização. A das cruzes pecava um pouco na distribuição/ordenação das legendas com as referentes obras, porém, tinha uma sala interessantíssima para conhecermos os diversos significados do símbolo cruciforme.

Em ambas as exposições duas coisas me chamaram muito a atenção: (1) uma religião com milhões de fiéis adorando uma imagem sanguinolenta, agressiva, mórbida somente para gerar culpa (por que não usar uma imagem minimalista ou da ressurreição?); e (2) a arte como um todo deve à religião sua existência (sendo que a arte ocidental deve muito à Igreja). Não vou me estender nessas minhas questões, mas acho que valem reflexões profundas.

Impressões

Ontem terminou a grande exposição Impressionismo: Paris e a modernidade no Centro Cultural do Banco do Brasil. Com filas intermináveis diariamente - inclusive nas madrugadas de viradão cultural - acredita-se que mais de 500 mil foram ver as 85 obras no Rio de Janeiro (especula-se 320 mil em São Paulo). Já tem algum tempo que eu visitei, mas só agora estou escrevendo porque queria amadurecer algumas coisas.

Le joueur de fifre (1866)

A exposição trouxe pela primeira vez ao Brasil uma seleção do acervo do Museu d’Orsay. Para se ter uma ideia do tamanho da empreitada, o projeto começou há dois anos, custou R$ 11 milhões, foi anunciado como o maior da história do CCBB e envolveu requintes — além de cuidados cirúrgicos com temperatura, iluminação e manuseio (foi necessária a construção de uma reserva técnica refrigerada para conter o acervo) — como o transporte das telas em dias (e voos) diferentes, para minimizar o risco de perda, caso algo desse errado na operação de logística, cujos detalhes foram mantidos em sigilo.

A mostra foi dividida em seis módulos temáticos que apresentaram as obras de Camille Pissaro, Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet, Henri Toulosse-Lautrec, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Pierre-Auguste Renoir e Vincent Van Gogh, entre outros mestres.

Na segunda sala, estava O tocador de pífaro, de Manet, que se tornou a imagem da exposição. O quadro foi rejeitado pelo Salão de Artes de Paris em sua época — quando foi defendido pelo escritor francês Émile Zola — e hoje é destacado pelo presidente do Museu d’Orsay como um dos maiores patrimônios da França. Na rotunda do CCBB, foram instalados quatro grandes painéis com cenários parisienses para que os visitantes se fotografassem nas locações francesas.

Femme au boa noir (1892)

Para aqueles que gostam de arte, foi um prato mais do que cheio: é pensão completa! E pra quem conhece um pouco de Impressionismo, ver a técnica de cada um foi de um valor inestimável. Pinceladas únicas se tornaram obras de arte. Já não é de hoje que gosto desse "ismo" e essa exposição só me fez ter certeza disso. E também reafirmei meu gosto pelas obras de Lautrec: Mulher de boá preto, em papelão é lápis de cor, é de cair o queixo.

Sobre a exposição em si valem alguns comentários:

• Era uma exposição bem grande. Não digo isso pelo número de obras, pois já houve exposições com um número bem maior; digo pela informação. Cada obra tinha uma legenda explicativa trilíngue! Pra mim isso é excelente de ser feito no Brasil. Somos país de (quase) aculturados e só "ver o quadro pra dizer que viu" não significa que você sabe alguma coisa. Oferecer algo mais ao público mesmo que nem todos se interessem é louvável.
• A ambientação em si era simples, pois a importância está nas obras. Alguns bancos foram colocados em ótimas posições para apreciação. Concordo com tudo isso, mas ainda acho que merecia um pouquinho mais. Mas isso é coisa minha de designer que já trabalhou com isso. Estava ótimo.
• Pra mim, as filas foram exageradas, por mais organizada que fosse. Brasileiro tem que aprender que fila não significa sucesso. Até entendo a necessidade de só entrarem grupos de 50 pessoas em cada vez, mas deveria ter sido um esquema "sai um, entra outro". Cada grupo que entrava acabava caminhando junto e as salas ficavam saturadas. Era só entrar e 50 pessoas ficavam paradas no painel com projeções. O "tocador" parecia a Monalisa! Soube de gente que fazia o inverso: entrava, ia pro final da sala e terminava no começo.
• A exposição estava linda, as obras eram MARAVILHOSAS, coisa e tal... mas vamos ser sinceros? Não foram obras do primeiro escalão. Claro que você tinha uma ninféia de Monet e umas baliarinas de Degas, mas não eram os principais desses artistas. Repito o que disse sobre o país de aculturados, então, isso não importaria... mas acho que está na hora de sermos vistos como um público que quer sim consumir boa cultura.

No todo, a exposição mereceu um nota 9,5. Mas o público carioca mereceu nota 10. Compareceu, não chiou, lotou as madrugadas de "viradão impressionista", divulgou... Excelente! Só falta alguém enxergar que a gente não quer só comida / a gente quer comida, diversão e arte!